Malerei ist üblich des Anwendens Farbe, Pigment, Farbe oder anderes Medium zu einer Oberfläche. Das Medium wird gemeinsam mit der Basis mit einem Pinsel, sondern auch andere Hilfsmittel wie beispielsweise Messer, Schwämme und airbrushes angewendet wird, kann verwendet werden.

In der Kunst der Begriff Malerei beschreibt sowohl die Tat und das Ergebnis der Aktion. Malereien können für ihre Unterstützung solche Oberflächen wie Wände, Papier, Leinwand, Holz, Glas, Lack, Lehm, Blatt, Kupfer oder Beton haben und kann mehrere andere Materialien einschließlich Sand, Ton, Papier, Blattgold sowie Objekte zu integrieren.

Der Begriff Gemälde ist auch außerhalb der Kunst als eine gemeinsame Handel zwischen Handwerker und Bauherren verwendet.

Malerei ist ein Modus des kreativen Ausdrucks und die Formen sind zahlreich. Zeichnung, Zusammensetzung oder Abstraktion, unter anderem Ästhetik, kann dazu dienen, die ausdrucksvolle und Begriffsabsicht des Praktikers zu verkünden. Malereien können naturalistisch und gegenständlich, photographisch, abstrakt, mit erzählendem Inhalt, Symbolismus, Gefühl oder ist in der Natur politisch.

Ein Teil der Geschichte der Malerei in Ost und Westkunst wird durch geistige Motive und Ideen beherrscht; Beispiele dieser Art der Malerei reichen von der Grafik, die mythologische Zahlen auf Tonwaren zu biblischen Szenen auf den Innenwänden und der Decke der Sixtinischen Kapelle gemacht, um Szenen aus dem Leben von Buddha oder andere Bilder des östlichen religiösen Ursprung.

Elemente

Intensität

Was befähigt Malerei ist die Wahrnehmung und Darstellung der Intensität. Jeder Punkt im Raum hat unterschiedliche Intensität, die in der Malerei von Schwarz und Weiß und alle Grautöne zwischen dargestellt werden kann. In der Praxis kann Malern Formen durch Nebeneinander Flächen unterschiedlicher Intensität zu artikulieren; unter Verwendung nur Farbe kann man nur stellen symbolischen Formen. So sind die grundlegenden Mitteln der Malerei unterscheiden sich von ideologischen Mitteln, wie geometrische Figuren, verschiedene Sichtweisen und Organisation, und Symbolen. Beispielsweise sieht ein Maler, dass eine bestimmte weiße Wand hat unterschiedliche Intensität an jedem Punkt, durch Schattierungen und Reflexionen von Objekten in der Nähe, aber im Idealfall ist eine weiße Wand immer noch eine weiße Wand in völliger Dunkelheit. In der technischen Zeichnung ist Dicke der Linie auch ideal, Abgrenzung ideal Umrisse eines Objektes innerhalb eines Wahrnehmungsrahmen unterscheidet sich von dem von Malern verwendet.

Farbe und Ton

Farbe und Ton sind die Essenz der Malerei wie Tonhöhe und Rhythmus sind der Musik. Farbe ist sehr subjektiv, hat aber beobachtbaren psychologischen Auswirkungen, obwohl diese von einer Kultur zur nächsten unterscheiden. Schwarz ist mit Trauer im Westen verbunden, aber im Osten, weiß ist. Einige Maler, Theoretiker, Schriftsteller und Wissenschaftler, darunter Goethe, Kandinsky und Newton, haben ihre eigenen Farbtheorie geschrieben. Darüber hinaus ist die Verwendung von Sprache ist nur eine Abstraktion für eine Farb-Äquivalent. Das Wort "red", kann beispielsweise eine Vielzahl von Variationen der rein rot des sichtbaren Lichtspektrum abdecken. Es gibt keine formalisierten Register in verschiedenen Farben in der Weise, dass eine Einigung über verschiedene Noten in der Musik, wie C oder C♯ in der Musik. Für einen Maler, Farbe ist nicht einfach in Grund- und abgeleiteten Farben unterteilt.

Maler beschäftigen praktisch mit Pigmenten, so "blau" für ein Maler kann jede der Blues sein: phthalocyan, Paris Blau, Indigo, Kobalt, Ultramarin, und so weiter. Psychologische, symbolischen Bedeutungen der Farben sind nicht streng genommen Mitteln der Malerei. Farben nur auf das Potential, abgeleitet Kontext Bedeutungen hinzuzufügen, und aus diesem Grund die Wahrnehmung eines Bildes ist sehr subjektiv. Die Analogie mit Musik ist ganz klar, Ton in der Musik ist analog zum Licht in der Malerei, "Schatten", um Dynamik und Färbung ist die Malerei als spezifische Klangfarbe von Musikinstrumenten, die Musik auch wenn diese nicht unbedingt eine Melodie zu bilden, kann aber unterschiedliche Kontexte hinzufügen zu.

Nicht-traditionelle Elemente

Moderne Künstler haben die Praxis der Malerei deutlich zu gehören beispielsweise, Collage, die mit dem Kubismus begann und ist nicht im strengen Sinn der Malerei erweitert. Einige moderne Maler nehmen verschiedenen Materialien wie Sand, Zement, Stroh oder Holz für ihre Textur. Beispiele hierfür sind die Werke von Jean Dubuffet und Anselm Kiefer. Es gibt eine wachsende Gemeinschaft von Künstlern, die Computer nutzen, um Farbe auf eine digitale Leinwand mit Programmen wie Adobe Photoshop, Corel Painter und viele andere malen. Diese Bilder können auf der traditionellen Leinwand gedruckt, wenn erforderlich.

Rhythmus

Rhythmus ist in der Malerei als auch in der Musik wichtig. Definiert man Rhythmus als "eine Pause in eine Sequenz eingebaut", dann kann es Rhythmus in der Malerei zu sein. Diese Pausen erlauben kreative Kraft, einzugreifen und neue Kreationen Form, Melodie, Färbung. Die Verteilung der Form, oder jede Art von Information ist von entscheidender Bedeutung in der gegebenen Kunstwerk und den ästhetischen Wert dieser Arbeit unmittelbar berührt. Dies, weil das ästhetische Wert Funktionalität abhängig, dh die Freiheit der Wahrnehmung als Schönheits empfunden. Freien Fluss der Energie, in der Kunst als auch in anderen Formen der "techne" direkt trägt zur ästhetischen Wert.

Geschichte

Die ältesten bekannten Malereien sind beim Grotte Chauvet in Frankreich, die einige Historiker glauben, sind etwa 32.000 Jahre alt. Sie sind graviert und gemalt mit rotem Ocker und schwarzen Pigments und zeigen Pferde, Nashorn, Löwen, Büffel, Mammut, abstrakte Designs und was sind möglicherweise teilweise menschliche Figuren. Jedoch das früheste Beweis der Akt des Malens ist in zwei Felsenschutz in Arnhem entdeckt worden Land, in Nordaustralien. In der niedrigsten Schicht des Materials an diesen Standorten gibt es gebrauchte Stücke von Ocker schätzungsweise 60.000 Jahre alt sein. Archäologen haben auch ein Fragment der Felsenmalerei in einem Kalkstein Felsenschutz in der Kimberley-Region von Nordwestaustralien erhalten, die 40 000 Jahre alt datiert wird. Es gibt Beispiele der Höhlenmalereien in der ganzen Welt in Indien, Frankreich, Spanien, Portugal, China, Australien, etc.

Im Westkultur-Ölmalerei und Aquarellmalerei haben reiche und komplexe Traditionen in der Art und im Thema. Im Osten Tinte und Farbtinte herrschte historisch die Wahl von Medien mit den gleichmäßig reichen und komplexen Traditionen.

Die Erfindung der Fotografie hatte einen großen Einfluss auf die Malerei. In den Jahrzehnten nach dem ersten Foto wurde im Jahre 1829 hergestellt, fotografische Prozesse verbessert und wurde immer weit verbreitet, berauben Malerei der viel von seinem historischen Zweck, um eine genaue Aufzeichnung der beobachtbaren Welt. Eine Reihe von Kunstbewegungen im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert vor allem Impressionismus, Postimpressionismus, Fauvismus, Expressionismus, Kubismus und Dadaismus forderte den Blick auf die Welt der Renaissance. Osten und in Afrika Malerei, jedoch weiterhin eine lange Geschichte der Stilisierung und nicht eine äquivalente Transformation zur gleichen Zeit zu unterziehen.

Moderne und Zeitgenössische Kunst hat sich von der historischen Wert des Handwerks und der Dokumentation zu Gunsten der Konzept bewegt; Dies führte zu einigen in den 1960er Jahren, dass die Malerei zu sagen, als ernsthafte Kunstform, ist tot. Dies ist nicht die Mehrheit der lebenden Maler aus fort der Malerei entweder als ganz oder teilweise ihre Arbeit üben abschrecken. Die Vitalität und Vielseitigkeit der Malerei im 21. Jahrhundert täuscht über die vorzeitige Erklärungen der seinen Untergang. In einer Epoche, gekennzeichnet von der Idee des Pluralismus, gibt es keinen Konsens, wie eine repräsentative Stil des Zeitalters. Künstler weiterhin bedeutende Kunstwerke in einer großen Vielfalt von Arten und ästhetische Temperamente ihr Verdienst links auf den Markt zu beurteilen, zu machen.

Unter den fortgeführten und Stromrichtungen in der Malerei zu Beginn des 21. Jahrhunderts sind einfarbige Malerei, Hart-Rand Malerei, geometrische Abstraktion, Zuwendung, Hyperrealism, Photorealism, Expressionismus, Minimalismus, lyrische Abstraktion, Pop-Art, OPkunst, Abstrakter Expressionismus, Farb Feldmalerei, Neo-Expressionismus, Collage, Intermedia Malerei, Versammlungsmalerei, Computerkunstmalerei, Postmodern Malerei, Neo-Dada Malerei, geformte Leinwandmalerei, Klimawandmalerei, traditionelle Zahl Malerei, Landschaftsmalerei, Porträt Malen und Farbe-on- Glas Animation.

Ästhetik und Theorie

Ästhetik ist das Studium der Kunst und Schönheit; es war ein wichtiges Thema für solche Philosophen aus dem 18. und 19. Jahrhundert, wie Kant oder Hegel. Klassische Philosophen wie Platon und Aristoteles die Theorie auch über Kunst und Malerei im Besonderen; Plato vernachlässigt Maler in sein philosophisches System; er behauptete, dass die Malerei kann die Wahrheit ist es eine Kopie der Realität und ist nichts als ein Handwerk, ähnlich wie Schuhmacherei oder Eisenguss nicht darzustellen. Mit der Zeit von Leonardo Malerei hatte einen genaueren Darstellung der Wahrheit, als Malerei war im antiken Griechenland zu werden. Leonardo da Vinci, im Gegenteil, sagte, dass "La Pittura è cosa mentale". Kant unterschied zwischen Schöne und das Erhabene, in Bezug auf die eindeutig Priorität eingeräumt hat die ehemalige. Obwohl er nicht besonders auf die Malerei beziehen, wurde dieses Konzept durch Maler wie Turner und Caspar David Friedrich übernommen.

Hegel erkannte das Scheitern der Erreichung einer universellen Begriff der Schönheit und in seiner ästhetischen Essay schrieb, dass Malerei ist eine der drei "romantischen" Künste, zusammen mit Poesie und Musik für seine symbolische, hoch intellektuelle Zweck. Maler, die theoretischen Arbeiten über die Malerei vorgelegt haben Kandinsky und Paul Klee. Kandinsky in seinem Essay behauptet, Malerei hat einen geistigen Wert, und er legt Grundfarben zu grundlegenden Gefühle oder Konzepten, etwas, das Goethe und andere Autoren bereits zu tun versucht.

Ikonographie ist die Untersuchung des Inhalts von Gemälden, anstatt ihren Stil. Erwin Panofsky und andere Kunsthistoriker zunächst versuchen, um die Dinge dargestellt, dann ist ihre Bedeutung für den Betrachter zu der Zeit verstehen, und dann analysieren, ihre breitere kulturelle, religiöse und soziale Bedeutung.

Im Jahre 1890, die Pariser Maler Maurice Denis bekanntlich behauptet: "Denken Sie daran, dass ein Bild, bevor ein Schlachtross, eine nackte Frau oder irgendeine Geschichte oder andere ist im Wesentlichen eine flache Oberfläche mit Farben in einer bestimmten Reihenfolge zusammengebaut bedeckt." So viele Entwicklungen des 20. Jahrhunderts in der Malerei, wie Kubismus, waren Überlegungen zu den Mitteln der Malerei und nicht auf die Außenwelt, die Natur, die bisher ihre Kernfach hatte. Aktuelle Beiträge zum Nachdenken über Malerei wurden von der Maler und Schriftsteller Julian Bell-angeboten. In seinem Buch Was ist Malerei ?, Glocke diskutiert die Entwicklung, durch die Geschichte, von der Vorstellung, dass Gemälde können Gefühle und Ideen auszudrücken. Im Spiegel der Welt Glocke schreibt:

Malerei Medien

Verschiedene Arten von Farbe werden normalerweise durch das Medium, das das Pigment suspendiert oder eingebettet ist, die die allgemeinen Arbeitseigenschaften der Farbe, wie Viskosität, der Mischbarkeit, Löslichkeit, Trockenzeit, etc. bestimmt identifizierten

Erdöl

Ölgemälde ist der Prozess des Malens mit Pigmenten, die mit einem Medium von Öl vor allem im frühneuzeitlichen Europa, Leinöl gebunden sind. Oft ein Öl, wie Leinöl wurde mit einem Harz, wie Kiefernharz oder auch gekochte Weihrauch; diese wurden "Lacke" genannt und wurden für ihre Körper und Glanz geschätzt. Ölfarbe wurde schließlich das Hauptmedium für die Kunstwerke schaffen wie seine Vorteile bekannt wurde verwendet. Der Übergang begann mit altniederländischen Malerei in Nordeuropa und von der Höhe der Renaissance-Ölgemälde-Techniken fast vollständig Temperafarben in den meisten Europa ersetzt.

Pastel

Pastell ist ein Gemälde Medium in der Form eines Stiftes, die aus reinen Farbpulver und einem Bindemittel. Die in Pastellfarben verwendeten Pigmente sind die gleichen wie die, alle farbigen Kunstmedien wie Ölfarben verwendet; das Bindemittel aus einem neutralen Farbton und niedriger Sättigung. Die Farbwirkung der Pastelle ist näher an den natürlichen Trockenpigmenten als die von keinem anderen Prozess. Weil die Oberfläche einer Pastellmalerei zerbrechlich und leicht verschmiert ist, seine Erhaltung erfordert Schutzmaßnahmen, wie Framing unter Glas; es kann auch mit einem Fixiermittel aufgesprüht werden. Nichtsdestotrotz, wenn mit Permanent Pigmenten und richtig gepflegt, kann ein Pastellmalerei ertragen seit Jahrhunderten unverändert. Pastels sind nicht anfällig, da sind Bilder mit einem flüssigen Medium hergestellt, auf die Rissbildung und Verfärbungen, die sich aus Veränderungen in der Farbe, Deckkraft, oder Abmessungen des Mediums zur Folge haben, wie es trocknet.

Acryl-

Acrylfarbe trocknet schnell Farbe, die Pigmentsuspension in Acrylpolymer-Emulsion. Acrylfarben können mit Wasser verdünnt werden, werden aber wasserfest, wenn sie trocken. Je nachdem wie viel die Farbe verdünnt oder mit Acryl Gele, Medien, oder Pasten geändert, kann das fertige Acrylmalerei ein Aquarell oder ein Ölgemälde zu ähneln, oder seine eigenen einzigartigen Eigenschaften nicht mit anderen Medien erreichbar ist. Die wichtigste praktische Unterschied zwischen den meisten Acryl und Ölfarben ist die inhärente Trocknungszeit. Öle erlauben mehr Zeit, um Farben mischen und gelten auch Glasuren über unter-Gemälde. Diese langsame Trocknung Aspekt Öl kann als ein Vorteil für bestimmte Techniken zu sehen, aber in anderer Hinsicht ist es behindert die Künstler versuchen, schnell zu arbeiten.

Aquarell

Aquarell ist ein Anstrichverfahren, in dem die Farben von den Pigmenten in einem wasserlöslichen Fahrzeug verschoben werden. Das traditionelle und allgemeinste Unterstützung für Aquarellmalereien ist Papier; Andere Träger umfassen Papyrus, Rinde Papiere, Plastik, Pergament oder Leder, Stoff, Holz und Leinwand. In Ostasien wird Aquarellmalerei mit Tinte als Pinselmalerei oder Rollbild bezeichnet. In der chinesischen, koreanischen und japanischen Malerei war es das dominierende Medium, oft in Monochrom Schwarz oder Braun. Indien, Äthiopien und anderen Ländern haben auch eine lange Tradition. Finger-Malerei mit Aquarell-Farben in China entstanden. Aquarellstifte können entweder nass oder trocken verwendet werden.

Tinte

Ink Gemälde werden mit einer Flüssigkeit, die Pigmente und / oder Farbstoffe enthält, und wird verwendet, um eine Oberfläche zu färben, um ein Bild, Text oder Design zu produzieren getan. Tinte wird für das Zeichnen mit einem Stift, einer Bürste oder Pinole eingesetzt. Tinte eines komplexen Mediums, von Lösemitteln, Pigmenten, Farbstoffen, Harzen, Schmiermittel, Lösungsvermittler, Tenside, Partikeln, fluoreszierenden und anderen Materialien bestehen. Die Komponenten der Druckfarben dienen vielen Zwecken; der Tinte Träger, Färbemittel und andere Zusatzstoffe Steuerfluß und der Dicke der Druckfarbe und sein Aussehen, wenn trocken.

Heißwachs

Encaustic Malerei, auch als Heißwachsmalerei bekannt, beinhaltet die Verwendung von beheizten Bienenwachs, auf die Farbpigmente zugegeben. Die Flüssigkeit / Paste wird dann zu einer in der Regel hergestellt Holzoberfläche aufgebracht, obwohl Leinwand und anderen Materialien werden häufig verwendet. Die einfachste enkaustische Mischung aus Bienenwachs Zugabe von Pigmenten hergestellt werden, aber es gibt einige andere Rezepte, die verwendet werden können, einige, die andere Arten von Wachsen, Damar Harz, Leinöl oder anderen Zutaten. Reine, pulverisierte Pigmente können erworben und verwendet werden, auch wenn einige Mischungen verwenden Ölfarben oder andere Formen von Pigment. Metallwerkzeuge und spezielle Bürsten können verwendet werden, um die Farbe zu formen, bevor es abkühlt oder erwärmt, Metallwerkzeuge verwendet werden, um das Wachs zu manipulieren, sobald sie auf die Oberfläche gekühlt werden. Andere Materialien eingeschlossen sein oder in die Oberfläche collagierter oder geschichtete Verwendung des enkaustische Medium, um es an der Oberfläche haften.

Fresco

Fresco ist eine von mehreren ähnlichen Wandmalerei Typen, auf Putz an Wänden oder Decken getan. Das Wort Fresko kommt vom italienischen Wort affresco, die von dem lateinischen Wort für frische leitet. Freskos wurden häufig während der Renaissance und anderer frühe Zeiträume gemacht. Buon Fresko-Technik besteht aus Malerei Pigment mit Wasser auf einer dünnen Schicht von nassen, frischen Kalkmörtel oder Putz, für die das italienische Wort für Putz, intonaco gemischt, verwendet wird. Ein Secco-Malerei im Gegensatz dazu auf trockenen Putz getan. Die Pigmente erfordern Bindemittel, wie Ei, Klebstoff oder Öl, um das Pigment an der Wand zu befestigen.

Gouache

Gouache ist eine Farbe auf Wasserbasis, bestehend aus Pigment und anderen Werkstoffen, die in einem undurchsichtigen Streichverfahren verwendet werden. Gouache unterscheidet sich von Aquarell, daß die Partikel größer sind, ist das Verhältnis von Pigment zu Wasser viel höher, und ein zusätzliches, inertes, weißes Pigment wie Kreide vorhanden ist. Dies macht Gouache schwerer und undurchsichtig, mit mehr reflektierenden Qualitäten. Wie alle watermedia, wird mit Wasser verdünnt.

Zahnschmelz

Emails werden durch die Malerei ein Substrat, typischerweise Metall, mit Fritte, eine Art von pulverisiertem Glas. Minerals namens Farboxiden bereitzustellen Färbung. Nach dem Brennen bei einer Temperatur von 750-850 Grad Celsius, ist das Ergebnis ein kondensiertes Laminierung von Glas und Metall. Emails werden traditionell für die Dekoration von wertvollen Objekten verwendet worden, aber auch für andere Zwecke verwendet. Im 18. Jahrhundert genoss Emailmalerei eine Mode in Europa, vor allem als Medium für die Porträtminiaturen. Im späten 20. Jahrhundert hat sich die Technik der Porzellanemaille auf Metall, wie einem dauerhaften Datenträger für den Außenwandbilder verwendet.

Sprühfarbe

Lacksprühdose ist eine Art von Farbe, die in einem verschlossenen Druckbehälter kommt, und wird in einem feinen Sprühnebel beim Niederdrücken eines Ventilknopf freigegeben. Eine Form der Spritzlackierung, verlässt Sprühfarbe eine glatte, gleichmäßig beschichtete Oberfläche. Standardgröße Dosen sind tragbar, kostengünstig und leicht zu verstauen. Aerosol Primer können direkt auf blanke Metall und vielen Kunststoffen angewendet werden.

Geschwindigkeit, Tragbarkeit und Dauerhaftigkeit machen auch Sprühfarbe eine gemeinsame Graffiti Medium. In den späten 1970er Jahren, die Straße Graffitisprayer "Signaturen und Wandmalereien wurden kompliziertere und einen einzigartigen Stil als Faktor des Aerosolmediums und der für die Schwarzarbeit erforderliche Geschwindigkeit entwickelt. Viele nun Graffiti und Street Art als eine einzigartige Kunstform zu erkennen und spezifisch hergestellten Aerosol-Lacke werden für die Graffiti-Künstler. Schablonen schützt eine Oberfläche, mit Ausnahme der spezifischen Form gestrichen werden. Schablonen können als bewegliche Buchstaben gekauft werden, bestellten professionell geschnitten Logos oder von Künstlern Hand geschnitten.

Tempera

Tempera, auch als Ei-Tempera bekannt ist, ist eine dauerhafte, schnelltrockn Malmedium aus farbigen Pigment mit einem wasserlöslichen Bindemittel Medium vermischt. Tempera bezieht sich auch auf den Bildern in diesem Medium durchgeführt. Temperagemälde sind sehr langlebig, und Beispiele aus dem ersten Jahrhundert nach Christus noch existieren. Eitempera war eine primäre Methode der Malerei, bis nach 1500, als es von der Erfindung der Ölmalerei abgelöst. Eine Farbe gemeinhin als Tempera, bestehend aus Pigment und Klebstoff Größe wird häufig verwendet, und von einigen Herstellern im Sinne von Amerika als Plakatfarbe.

Wasser mischbare Ölfarbe

Wasser mischbare Ölfarben ist eine moderne Auswahl an Ölfarbe entwickelt, um ausgedünnt und mit Wasser gereinigt werden, anstatt Chemikalien wie Terpentin verwenden. Es kann gemischt werden und mit den gleichen Techniken wie herkömmliche Ölfarbe aufgetragen, aber während noch nass ist es effektiv von Pinseln, Paletten und Lumpen mit gewöhnlicher Seife und Wasser entfernt werden. Seine Wasserlöslichkeit kommt von der Verwendung eines Ölmedium, in dem ein Ende des Moleküls verändert wurde, um lose um Wassermoleküle zu binden, wie in einer Lösung.

Malerei Stile

Stil wird in zwei Bedeutungen verwendet: Es kann zu den markanten visuellen Elementen, Techniken und Methoden, die eine individuelle Künstlers verkörpern beziehen. Es kann auch auf die Bewegung oder in der Schule, die ein Künstler zugeordnet beziehen. Dies kann von einer tatsächlichen Gruppe, die der Künstler bewusst mit einbezogen stammen oder es kann ein Bereich, in dem Kunsthistoriker haben die Maler platziert werden. Das Wort "Stil" im letzteren Sinne hat in Ungnade in akademischen Diskussionen über zeitgenössische Malerei gefallen, auch wenn es in beliebten Kontexten verwendet werden fortgesetzt. Solche Bewegungen oder Klassifizierungen gehören die folgenden:

West

Modernism

Moderne beschreibt sowohl eine Reihe von kulturellen Tendenzen und eine Reihe von damit verbundenen kulturellen Bewegungen, die ursprünglich aus großangelegten und weitreichende Änderungen an der westlichen Gesellschaft in dem späten 19. Jahrhundert und frühen 20. Jahrhunderts. Moderne war ein Aufstand gegen die konservativen Werte des Realismus. Der Begriff umfasst die Aktivitäten und Ausgabe von denen, die die "traditionellen" Formen der Kunst, Architektur, Literatur, religiösen Glauben, soziale Organisation und das tägliche Leben wurden immer überholt in den neuen wirtschaftlichen, sozialen und politischen Bedingungen eines Schwellen voll industrialisierten Welt zu spüren. Ein hervorstechendes Merkmal der Moderne ist das Selbstbewußtsein. Dies, um Experimente mit Form, und die Arbeit, die Aufmerksamkeit auf die Prozesse und Materialien verwendet werden, zieht oft geführt.

Impressionismus

Das erste Beispiel der Moderne in der Malerei war Impressionismus, eine Schule der Malerei, die zunächst auf die Arbeit konzentrieren getan, nicht im Studio, sondern im Freien. Impressionistische Gemälde gezeigt, dass die Menschen nicht Objekte zu sehen, sondern sehen das Licht selbst. Die Schule versammelten Anhängern trotz der internen Spaltungen unter seine führende Praktiker und zunehmend einflussreich. Ursprünglich aus dem wichtigsten Handels Show der Zeit abgelehnt, die staatlich geförderten Pariser Salon, organisierte die Impressionisten jährliche Gruppenausstellungen in kommerziellen Veranstaltungen in den 1870er und 1880er Jahren, Zeit sie mit dem offiziellen Salon zusammenfallen. Ein bedeutendes Ereignis des Jahres 1863 war der Salon des Refusés, erstellt von Kaiser Napoleon III auf alle Gemälde des Pariser Salon abgelehnt anzuzeigen.

Abstrakt Arten

Abstrakte Malerei verwendet eine visuelle Sprache der Form, der Farbe und der Linie, um eine Zusammensetzung, die mit einem Grad Unabhängigkeit von den visuellen Hinweisen in der Welt existieren kann. Abstrakten Expressionismus war ein amerikanischer Post-World War II Kunstbewegung, die die emotionale Intensität und Selbstverleugnung der deutschen Expressionisten mit dem anti-figurative Ästhetik der europäischen abstrakten Schulen wie Futurismus, des Bauhaus und synthetischen Kubismus und das Bild des Seins in Verbindung rebellisch, anarchisch, höchst eigenwilligen und einige Gefühl, nihilistisch.

Action Painting, manchmal genannt gestischen Abstraktion, ist eine Art der Malerei, in der Farbe wird spontan dribbelte, gespritzt oder auf die Leinwand verschmiert, anstatt sorgfältig aufgetragen. Die daraus resultierende Arbeit betont oft den physischen Akt des Malens selbst als einen wesentlichen Aspekt der fertigen Arbeit oder Bedenken seiner Künstler. Der Stil war aus den 1940er Jahren weit verbreitet, bis der Anfang der 1960er Jahre, und ist eng mit abstrakten Expressionismus verbunden.

Andere modernistischen Stile umfassen:

• Color Field
• Hard Edge
• Expressionismus
• Kubismus
• Pop-Art

Outsider Art

Der Begriff wurde von Outsider Art Kunstkritiker Roger Cardinal 1972 als Englisch Synonym für Art Brut, ein Etikett erstellt von Französisch Künstler Jean Dubuffet, Kunst außerhalb der Grenzen der offiziellen Kultur geschaffen beschreiben geprägt; Dubuffet konzentrierte sich vor allem auf die Kunst von Geisteskranken-Anstaltsinsassen. Outsider Art hat als erfolgreicher Kunstmarketing Kategorie entstanden. Der Begriff wird manchmal als eine catch-all-Marketing-Label für Kunst geschaffen von Menschen außerhalb des Mainstreams "Kunstwelt", unabhängig von ihrer Umstände oder den Inhalt ihrer Arbeit falsch angewandt.

Fotorealismus

Fotorealismus ist das Genre der Malerei basiert auf der Verwendung der Kamera und Fotos, um Informationen von diesem Informationen zu sammeln und dann, die Schaffung einer Malerei, die sich als sehr realistisch wie ein Foto angezeigt wird. Der Begriff wird in erster Linie auf Gemälden aus den Vereinigten Staaten Kunstbewegung, die in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren begann angewendet. Als vollwertige Kunstbewegung, entwickelt von Pop-Art Fotorealismus und als Gegen um Abstrakten Expressionismus.

Hyperrealismus ist ein Genre der Malerei und Skulptur wie eine hochauflösende Fotos. Hyperrealismus ist ein vollwertiges Kunstschule und kann als eine Weiterentwicklung des Fotorealismus durch die verwendet, um die resultierenden Bilder oder Skulpturen zu erstellen Methoden werden. Der Begriff wird in erster Linie an einen unabhängigen Kunstbewegung und Art-Stil in den Vereinigten Staaten und Europa, die seit dem Anfang der 2000er Jahre entwickelt hat, angewandt.

Surrealismus

Surrealismus ist eine kulturelle Bewegung, die in den frühen 1920er Jahren begann, und ist am besten für die visuelle Kunstwerke und Schriften der Mitglieder der Gruppe bekannt. Surrealistische Kunstwerke verfügen über das Element der Überraschung, unerwarteten Gegenüberstellungen und unlogische Schlussfolgerung; jedoch viele surrealistische Künstler und Schriftsteller betrachten ihre Arbeit als Ausdruck der philosophischen Bewegung in erster Linie mit den Werken als ein Artefakt. Führer André Breton war explizite in seiner Behauptung, Surrealismus war vor allem eine revolutionäre Bewegung.

Surrealismus aus den Dada-Aktivitäten des Ersten Weltkriegs entwickelt und das wichtigste Zentrum der Bewegung war Paris. Von den 1920er Jahren vorwärts, die Bewegung auf der ganzen Welt zu verbreiten, schließlich beeinflussen die Bildende Kunst, Literatur, Film und Musik aus vielen Ländern und Sprachen sowie politischen Denkens und der Praxis, Philosophie und Gesellschaftstheorie.

Far Eastern

• Chinesisch
  • Tang-Dynastie
  • Ming-Dynastie
  • Shan Shui
  • Tinte und Wäsche Malerei
  • Hua niao
  • Südliche Schule
    • Zhe Schule
    • Wu Schule
  • Zeitgenössisch
• Japanisch
  • Yamato-e
  • Rimpa Schule
  • Emakimono
  • Kanō Schule
  • Shijo Schule
  • Superflat
• Koreanisch

Islamisch

• Persische Miniatur
• Mughal Miniatur-
• Osmanische Miniatur-

Indian

• Oriya Schule
• Bengal Schule
• Kangra
• Madhubani
• Mysore
• Rajput
• Mughal
• Samikshavad
• Tanjore

African

• Tingatinga

Gegenwartskunst

Redewendungen

Allegorie

Allegorie ist eine bildliche Darstellungsförder andere als die wörtliche Bedeutung. Allegorie kommuniziert seine Botschaft mit Hilfe von symbolischen Figuren, Handlungen und symbolische Darstellung. Allegorie wird in der Regel als eine Figur der Rhetorik behandelt, aber eine Allegorie muss nicht in der Sprache ausgedrückt werden: Es kann für das Auge zu richten, und wird häufig in realistischen Malerei gefunden. Ein Beispiel für eine einfache visuelle Allegorie ist das Bild von der Sensenmann. Zuschauer verstehen, dass das Bild von der Sensenmann ist eine symbolische Darstellung des Todes.

Bodegón

In der spanischen Kunst, ist ein bodegón eine Stilllebenmalerei, Darstellung Speisekammer Elemente wie Lebensmitteln, Spiel, und trinken, oft auf einem einfachen Steinplatte angeordnet sind, und auch eine Malerei mit einer oder mehreren Zahlen, aber signifikante Stillleben Elemente, die typischerweise Set in einer Küche oder Taverne. Beginnend in der Barockzeit wurde wie Gemälde in Spanien im zweiten Quartal des 17. Jahrhunderts populär. Die Tradition der Stilllebenmalerei scheint begonnen haben, und war weit mehr populär in den zeitgenössischen Niederlanden, heute Belgien und den Niederlanden, als es jemals in Südeuropa war. Northern Stillleben hatte viele Sub-Genres: das Frühstück wurde von der Trompe-l'oeil, der Blumen-Bouquet und den Vanitas ergänzt. In Spanien gab es deutlich weniger Gönner für diese Art der Sache, aber eine Art Frühstück war populär geworden, mit ein paar Objekten von Lebensmitteln und Geschirr auf einem Tisch gelegt.

Körperbemalung

Bodypainting ist eine Form der Körperkunst. Im Gegensatz zu Tattoo und andere Formen der Körperkunst, Körpermalerei ist vorübergehend, auf die menschliche Haut gemalt, und dauert nur einige Stunden oder höchstens ein paar Wochen. Körperbemalung, die auf das Gesicht beschränkt ist, wird als Gesichtsbemalung bekannt. Körpermalerei wird auch als temporäre Tätowierung bezeichnet; Groß oder Ganzkörpermalerei ist besser bekannt als Bodypainting bezeichnet, während kleinere oder mehr Detailarbeit wird allgemein als temporäre Tattoos bezeichnet.

Figur Malerei

Eine Abbildung Malerei ist ein Kunstwerk in einem der Gemälde-Medien mit der Hauptgegenstand als die menschliche Figur, ob bekleidet oder nackt. Figurenbild kann auch auf die Aktivität der Schaffung einer solchen Arbeit beziehen. Die menschliche Figur ist eine der kontrastreiche Motive der Kunst seit den ersten steinzeitlichen Höhlenmalereien und ist in den verschiedenen Arten im Laufe der Geschichte neu interpretiert. Einige Künstler bekannt für Figurenmalerei bekannt sindPeter Paul Rubens, Edgar Degas und Édouard Manet.

Illustration Malerei

Illustration Gemälde sind diejenigen, die als Abbildungen in Bücher, Zeitschriften, und Theater oder Filmplakate und Comic-Bücher verwendet. Heute gibt es ein wachsendes Interesse bei der Erhebung und bewundern Sie die Original-Artworks. Verschiedene Museumsausstellungen, Zeitschriften und Kunstgalerien haben Platz, um den Zeichner der Vergangenheit gewidmet. In der bildenden Kunst weltweit, haben Illustratoren manchmal betrachtet worden im Vergleich zu bildende Künstler und Grafikdesigner weniger wichtig. Aber als das Ergebnis der Computerspiel und Comic-Industrie Wachstums, Illustrationen werden immer so populär und profitabel Kunstwerken, die einen größeren Markt als die beiden anderen vor allem in Korea, Japan, Hong Kong und den USA zu erwerben können, bewertet.

Landschaftsmalerei

Landschaftsmalerei ist ein Begriff, der die Darstellung der natürlichen Landschaft wie Berge, Täler, Bäume, Flüsse und Wälder, und vor allem der Technik, wo das Hauptthema ist eine große Sicht, mit seinen Elementen in einem kohärenten Zusammensetzung angeordnet. In anderen Arbeiten Landschaftshintergründe für Zahlen können immer noch ein wichtiger Teil der Arbeit. Himmel ist fast immer in die Ansicht aufgenommen und Wetter ist oft ein Element der Zusammensetzung. Ausführliche Landschaften als eigenständiges Subjekt sind nicht in allen künstlerischen Traditionen gefunden und zu entwickeln, wenn es bereits eine anspruchsvolle Tradition anderer Fächer vertreten. Die zwei Haupttraditionen entspringen Westmalerei und chinesischen Kunst, geht zurück weit über tausend Jahre in beiden Fällen.

Porträtmalerei

Portrait Bilder sind Darstellungen einer Person, bei der das Gesicht und seinen Ausdruck überwiegt. Die Absicht ist, die Ähnlichkeit, Persönlichkeit und auch die Stimmung der Person anzuzeigen. Die Kunst des Porträts blühte in Altgriechisch und vor allem römische Skulptur, wo Betreuung verlangt individuelle und realistische Porträts, auch wenig schmeichelhafte Einsen. Einer der bekanntesten Porträts in der westlichen Welt ist Leonardo da Vincis Mona Lisa Malerei betitelt, was gedacht wird, um ein Porträt von Lisa Gherardini, die Frau von Francesco del Giocondo sein.

Stillleben

Ein Stillleben ist ein Werk der Kunst, die meist unbelebten Materie, in der Regel an der Tagesordnung Objekte, die entweder natürlich oder vom Menschen verursachten sein können. Mit Ursprung in den Mittelalter und Antike griechische / römische Kunst, Stillleben geben dem Künstler mehr Spielraum bei der Anordnung der Gestaltungselemente in einer Zusammensetzung, als es Gemälde von anderen Arten von Themen wie Landschaft oder Porträtmalerei. Stillleben, insbesondere vor 1700, enthielten oft religiöse und allegorische Symbolik in Bezug auf die dargestellten Objekte. Einige moderne Stilleben bricht die zweidimensionale Barriere und beschäftigt dreidimensionale Mischtechnik, und verwendet gefundenen Objekten, Fotografie, Computergrafik, sowie Video und Ton.

Veduta

Ein Veduta ist eine sehr detaillierte, meist großformatiges Gemälde von einer Großstadt oder einem anderen vista. Das Genre der Landschafts entstand in Flandern, wo Künstler wie Paul Bril malte Veduten so früh wie im 16. Jahrhundert. Da die Route der Grand Tour wurde etwas standardisiert, Veduten von vertrauten Szenen wie dem Forum Romanum und dem Canal Grande erinnerte frühen Ventures auf den Kontinent für aristokratische Engländer. Im späteren 19. Jahrhundert, mehr persönliche Eindrücke von Stadtlandschaften ersetzt den Wunsch nach topographischer Genauigkeit, die von gemalten Panoramen statt zufrieden war.