Diana mit ihren Gefährtinnen

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Januar 8, 2017 Gunnar Hagen D 0 20

Diana mit ihren Gefährtinnen ist eine Malerei durch niederländischen Künstler Johannes Vermeer in den frühen bis Mitte der 1650er Jahre, jetzt am Museum Mauritshuis in Den Haag abgeschlossen. Obwohl das genaue Jahr ist nicht bekannt, kann die Arbeit der früheste Gemälde des Künstlers noch vorhanden, mit einigen Kunsthistorikern stellen Sie es vor Christus im Haus von Martha und Maria, einige nach sein.

Feierliche Stimmung des Gemäldes ist ungewöhnlich für eine Szene, die die Göttin Diana, und der Nymphe wäscht die Füße des zentralen Figur hat die Aufmerksamkeit der Kritiker und Historiker fangen, sowohl für ihre Tätigkeit und zeitgenössischer Kleidung. Anstatt direkt veranschaulicht eine der dramatischsten Momente in bekannte Episoden aus Mythen über Diana, zeigt die Szene eine Frau und ihr Begleiter leise bei der Toilette. Das Thema einer Frau in einem privaten, reflektierende Moment würden stärker in Vermeers Gemälde wachsen, wie seine Karriere vorangekommen.

Nichts von der Geschichte des Werkes vor der Mitte des 19. Jahrhunderts bekannt ist, und das Bild wurde nicht weithin als einer der Vermeers bis Anfang des 20. Jahrhunderts, als seine Ähnlichkeit mit Maria und Marta wurden bemerkt akzeptiert. Über ein Neuntel der Breite des Gemäldes wurde von der rechten Seite entfernt wurde, und es wurde nicht entdeckt, bis 1999 oder 2000 war, dass der Himmel in der oberen rechten Ecke hatte im 19. Jahrhundert hinzugefügt.

Bezeichnung

Die Szene

Die Malerei stellt die griechische und römische Göttin Diana mit vier ihrer Begleiter. Sie trägt ein locker sitzende, gelben Kleid mit einem Tier-Haut-Schärpe, und auf dem Kopf, ein Diadem mit einem Symbol der Mondsichel. Als sie auf einem Felsen sitzt, wäscht eine Nymphe ihren linken Fuß. Eine weitere, hinter Diana, sitzt mit ihrer teilweise nackten Rücken zum Betrachter, ein Drittel Nymphe sitzt an Dianas links, hält ihre eigenen linken Fuß mit der rechten Hand. Eine vierte steht in der hinteren, etwas abseits vom Rest der Gruppe und gegenüber ihnen und dem Betrachter in einem Winkel, die Augen niedergeschlagen, die Fäuste vor ihr. Ein Hund sitzt in der unteren linken Ecke in der Nähe von Diana, ihre Rücken zum Betrachter, wie es steht vor der Göttin, ihre Begleiter und unmittelbar davor, eine Distel.

Außer für die Frau, deren Gesicht vollständig vom Betrachter weg gedreht wird, alle der anderen Flächen in dem Bild sind, um die eine oder andere im Schatten, einschließlich des Hundes. Keine der Frauen sehen sich an, jede scheinbar in ihren eigenen Gedanken versunken, eine Tatsache, die der feierlichen Charakter des Stückes beiträgt.

In den Jahren 1999-2000, als die Malerei unterRestaurierungsArbeiten und wurde gereinigt, wurde entdeckt, dass ein Bereich, der blaue Himmel in der oberen rechten Ecke hatte im 19. Jahrhundert hinzugefügt. Zahlreiche Vervielfältigungen bis zu diesem Zeitpunkt hatte das Blau des Himmels enthalten. Restauratoren über die Pflasterstelle mit Laub um das Originalbild anzunähern. Das Segeltuch hatte auch getrimmt worden, insbesondere auf der rechten Seite, wo etwa 15 cm entfernt wurde. Beschreibungen der Szene in einer "Waldlichtung" oder "in der Nähe des Waldrand" kann sich stark auf die Stückchen Himmel irrtümlich dachte Original zur Malerei zu sein verlassen, auch wenn Licht ohne Schatten hat von oben und fallen auf den Plan der linke, mit kurzen Schatten bilden, das Recht des Betrachters. Die Beobachtung, dass die Szene erschien in "der Versammlung der Dämmerung" stattfinden kann durch die leichter, aber dunkler werdenden Stückchen Himmel scharf mit der dunklen Masse von Laub im Hintergrund des Gemäldes kontras beeinflusst worden sein, zusammen mit den Schatten auf alle die sichtbaren Flächen.

Das Gemälde ist unten links auf dem Felsen zwischen der Distel und der Hund unterzeichnet.

Technische Beschreibung

Die Leinwand ist eine Leinwandbindung Leinen mit einer Fadenzahl von 14,3 bis 10 pro Quadratzentimeter. Vermeer erste skizziert die Zusammensetzung mit dunkelbraunen Pinselführung, kann Vermeer mit Rembrandts Arbeit vertraut gemacht haben.

Zweifel an der Zuschreibung des Gemäldes blieb bis um 1901, dem Jahr, Abraham Bredius und Willem Martin, stellvertretender Direktor des Mauritshuis, entdeckt ihre Gemeinsamkeiten in Farbgebung und Technik mit Martha und Maria, die von Vermeer unterzeichnet wurde, und in Farben mit der Kupplerin , eine weitere sehr frühe Vermeer Arbeit.

Kritischer Bericht

Das Bild hat eine "überwältigende Gefühl der Feierlichkeit mehr mit Christian als mit mythologischen Traditionen verbunden", so Wheelock. Die Arbeit kann die christliche Symbolik der Fußwaschung als Reinigungs mit den Anspielungen auf Keuschheit und Reinheit durch Dianas bescheidenes Kleid und weißen Tuch und Messingbecken zu ihren Füßen aufgerufen, zu kombinieren. Der Begleiter hielt ihre eigenen Fuß ähnelt stark der alten Spinario Statue, eine Figur in einem nahezu identischen Haltung, die ein Dorn entfernt von der Unterseite des Fußes. Der Dorn ist eine christliche Symbol der Trauer und Studien von Jesus oder des Leidens in dieser Welt.

Fußwaschung ist auch ein christliches Symbol der Demut und die Nähe des Todes, und "der Würde, mit der Diana Begleiter führt ihren Dienst, erinnert sich Maria Magdalena Waschen Füße Christi mit ihren Tränen", so Wheelock. Selena Cant glaubt Vermeer Zeitgenossen sofort gezeichnet haben die Assoziation der Fußwaschung mit der Idee, Jesus Fußwaschung. "seiner Magd stiehlt die Szene", so Cant, der die "ungewöhnlichen braun-bronze Mieder" vom Diener abgenutzt verweist.

Nach Wheelock, das Gemälde "hat keine offensichtlichen literarischen Quelle". Als Darstellung der Diana, ist das Gemälde zeichnen sich zum Teil für das, was sie nicht zeigen weder Actaeon erblickte Diana und ihre Nymphen, noch die tatsächliche Moment, als Callisto Schwangerschaft offenbart, sowohl populäre Themen in manieristischen Malerei in den frühen 17. Jahrhundert. Auch der Künstler zeigen Dianas hitziges Temperament oder ihre harten Reaktionen auf diesen Episoden. Fähigkeit der Göttin als Jägerin nicht von toten Spiels oder Pfeil und Bogen signalisiert. Selbst der Hund als ein sanftes Tier dargestellt, nicht wie die schnellen Hunde normalerweise in Gemälde von Diana zu sehen.

Ovids Metamorphosen erwähnt, dass kurz vor der Entdeckung von Callisto Schwangerschaft, gewaschen Diana ihre Füße und dann sie und ihr Begleiter entkleidet. Liedtke weist darauf hin, dass die Nymphe steht etwas abseits von der Gruppe, mit ihren Händen vor ihren Bauch geballt, vielleicht im Gegensatz zu der Nymphe zeigt Hingabe und Treue durch Waschen die Füße, kann Callisto ist. Diese Szene würde dann zu veranschaulichen Teil dieses Mythos Erzählung, Liedtke behauptet, wenn auch Wheelock heißt es, dass die Episode scheint in keinem Zusammenhang mit der Stimmung des Gemäldes.

Das Gemälde, nach Liedtke, "zeigt die Künstlerin bereits Bewältigung seiner üblichen Thema, Frauen in privaten Momenten, und die Komplikationen der Begierde" sowie "die Fähigkeit, mitfühlend beschreiben die privaten Leben von Frauen", und zwar nicht als " tiefe ", wie Rembrandts Bathseba ist Vermeers Werk" bemerkenswert für seine Weichheit und Aufrichtigkeit ", glaubt Liedtke. Er stellt fest, dass das Gemälde zeigt Begabung des Künstlers für das Lernen aus dem Beispiel von anderen Künstlern und zur Beobachtung von Licht und Farbe.

Dating und Position innerhalb Vermeer Leben und Werk

Das Gemälde wurde bei etwa der Zeitpunkt Vermeer Malergilde in Delft trat am 29. Dezember 1653, im Alter von 21 erstellt, dem selben Jahr wurde er zum Katholizismus über und heiratete Catharina Bolnes. Leidtke spekuliert, dass die Ideen der Reinheit und Treue in der Malerei symbolisiert wurden, um die Ehe Vermeers verbunden ist, und dass vielleicht die Arbeit wurde in Gedenken an seine neue Frau erstellt.

Mit seinen weniger sicher Pinselführung und vorsichtige Anordnung von Elementen, ist Diana in seiner Technik und Positionierung der Figuren als Martha und Maria, die den anderen Arbeiten hinweisen können weniger ausgereift war danach gestrichen, wie Vermeers Erfahrung wuchs laut Liedtke.

Herkunft und Ausstellungen

Neville Davison Goldsmid von Den Haag im Besitz der Malerei von 1866-1875, bevor es in die Hände seiner Witwe, Eliza Garey von Den Haag und Paris übergeben. Sie verkaufte es mit anderen Werke auf der Goldsmid Verkauf am 4. Mai 1876, als Victor de Stuers kaufte es für die Sammlung der Koninklijk Kabinet van Schilderijen Mauritshuis, Den Haag.

Ausstellungen:

  • London, 1929
  • Amsterdam 1945
  • Milan 1951
  • Zürich, 1953
  • Rom, Mailand, 1954
  • New York, Toledo, Toronto, 1954-1955
  • Den Haag, Paris, 1966
  • Tokyo, Kyoto, 1968-1969
  • Washington, Detroit, Amsterdam 1980-1981
  • Washington und anderen Städten, 1982-1984
  • Washington, Den Haag, 1995-1996
  • Rotterdam, Frankfort, 1999-2000

Voraussetzung

Das Gemälde ist in relativ schlechtem Zustand. Es wurde gereinigt und auf einer Reihe von Gelegenheiten wieder hergestellt und hat als Folge abgeschrieben. Mehrere Bereiche der Leinwand unterscheiden sich deutlich von der ursprünglichen Arbeit.

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